Cine-Conciertos

Drums & Piano

Jorge Gil Zulueta, piano
Sergio Gutiérrez, percusión

Fred C. Newmeyer, Sam Taylor | Estados Unidos | 1923 | 77’

Piense en Harold Lloyd. Seguro que la primera imagen que le llega es la del popular cómico colgado de las manillas de un reloj en El hombre mosca.

La película nació cuando el popular cómico vio un día a un hombre mosca de verdad, Bill Strother, escalando un edificio de la ciudad. Al instante le propuso participar en una película con él y así nació la obra más célebre de su carrera, toda una metáfora del ascenso social en los Estados Unidos de los locos años 20. La película fue un rotundo éxito en su estreno hace casi 100 años, y más allá de la comedia, Lloyd caricaturiza como nadie la sociedad de consumo emergente.

El jazz y el cine siempre han estado íntimamente ligados desde los propios inicios del cine. El llamado cine mudo se hizo acompañar en sus primeras proyecciones de un sufrido pianista que en extensas jornadas interpretaba música de la época en Estados Unidos: el ragtime y el hot jazz. Fue en este país donde hubo un mayor desarrollo de la música hecha para los acompañamientos musicales del cine silente.

Drums & Piano acompaña en directo a esta gran película de Harold Lloyd a través de un repertorio pianístico de la época de la mano de Jorge Gil Zulueta, pianista y compositor especializado en el acompañamiento del cine mudo, empleando temas de los años 20 (ragtime y hot jazz) así como diversas partituras que fueron escritas exprofeso para el acompañamiento en directo en las proyecciones del cine de la época. La interpretación pianística se complementa con los efectos sonoros por parte del percusionista Sergio Gutiérrez que actúa como un artista de Foley, a través de la batería, percusiones y diversos utensilios percusivos. Una verdadera experiencia de sentir la forma de ver el cine en sus inicios.

ENOL ENSEMBLE

Mario Bernardo, piano

Fernando Zorita, violín

Cristina Gestido, viola

Teresa Valente-Pereira, violonchelo

Victor Sjöström | Suecia | 1921 | 106’

“Una historia contada en imágenes vivas”, así definió Victor Sjöström La carreta fantasma. El polifacético artista sueco no sólo dirigió este referente inexpugnable del cine: escribió el guion y dejó para sí el papel principal. Ese conjunto de roles, el realizador conseguía una cohesión especial en sus películas, como es el caso de esta cumbre cinematográfica estrenada hace cien años (la première tuvo lugar en Estocolmo el 1 de enero de 1921).

Sjöström se basó en la novela homónima de la escritora sueca Selma Lagerlöf, la primera mujer en obtener el Premio Nobel de Literatura, en 1909. La historia del alcohólico David Holm pasó a la gran pantalla con un tipo de narración poco habitual para la época. En pleno esplendor del cine mudo, lo normal seguía siendo relatar de manera lineal, sin saltos espacio-temporales. Elipsis, cambios de escenario, montaje en paralelo, flashbacks como matrioskas adelantándose a su tiempo… Ingmar Bergman reconocía que la visionaba al menos una vez al año. En SACO les proponemos que lo hagan acompañados de la propuesta musical de Enol Ensemble.

Sobre el trabajo realizado por el cuarteto asturiano, la violista Cristina Gestido, apunta que la la estética general de La carreta fantasma “nos ha sugerido centrarnos principalmente en el repertorio romántico para cuarteto con piano. Sin embargo, dados determinados ambientes escénicos y contrastes dramáticos, hemos considerado oportuno introducir elementos propios de otras corrientes musicales como el Barroco, el impresionismo y el expresionismo de la música de posguerra”. Así, el grupo hace hincapié musical en su visionario uso del flashback y, asimismo, “los efectos fantasmagóricos creados por superposición de imágenes, novedosos para su época, son reflejados musicalmente por extractos minimalistas y vanguardistas”.

Oviedo Filarmonía

Óliver Díaz, director

Charles Chaplin | Estados Unidos | 1931 | 81’

A comienzos de 1931, cuando esta película se estrenó en Nueva York, muchos pensaron que Charles Chaplin se había vuelto loco. ¿Una película muda cuando el público había aceptado ya con entusiasmo el cine sonoro? Aunque Chaplin nunca ocultó su disgusto por el cine hablado, este desafiante acto le vino impuesto: desde su enfermizo afán perfeccionista hasta la falta de entendimiento con Virginia Cherrill, la actriz principal, pasando por el crack de 1929… Así, cuando pudo terminar Luces de la ciudad, el cine mudo empezaba a ser un silencioso recuerdo.

Así lo explicaba el propio Chaplin: “Yo estaba decidido a seguir haciendo películas mudas, porque creía que había sitio para toda clase de diversiones. Además, yo era fundamentalmente un mimo, y en este género resultaba, sin falsa modestia, un maestro. Así que continué con mi producción”.  El resultado: una película perfecta que figura entre las preferidas de directores tan dispares como Orson Welles, Stanley Kubrick, Andrei Tarkovsky o Woody Allen.

En sus ochenta y un minutos hay espacio para la comedia más hilarante y también para la pena más aguda. Chaplin creó un filme inolvidable, para legarlo al mundo como símbolo de un arte que había sucumbido a la voz. Además, representa el paso definitivo de Charlot de ser un personaje puramente cómico a uno dramático.

En Luces de la ciudad, Chaplin fue director, actor, guionista, productor, montajista y, además, compuso la elegante banda sonora, ayudado por grandes de la música de cine como Arthur Johnston y Alfred Newman. Partitura que Oviedo Filarmonía recreará bajo la batuta del director asturiano Óliver Díaz.

Pero la música de Luces de la ciudad guarda un plagio de manual. Chaplin había oído cantar La violetera a Raquel Meller en una gira realizada por la artista por Estados Unidos e incluyó esta melodía como si fuera suya omitiendo en los créditos el nombre de José Padilla, el autor de esta popular canción. Se cuenta que fue el actor Tony Leblanc quien se dio cuenta de este hecho, poniéndolo en conocimiento del compositor, que interpuso una demanda judicial que acabó ganando.